Vor tatsächlichen 33 Jahren entstand eine Band in Dublin, die unter dem Namen „Feedback“ erste Gehversuche in dem Bereich Rock n’ Roll unternahm. Doch unter diesem Namen, wie auch unter dem zweiten „The Hype“ sollte sie nicht zu Weltruhm aufsteigen. U2 war es dann, mit dem man eine Karriere startete, die diese Gruppe junger Musiker zur heutigen größten Rockband der Welt machte. 1983 folgten schließlich die ersten Hits „New Years Day“ und „Sunday Bloody Sunday“. Im Folgejahr erschien „The Unforgettable Fire“ mit dem Welthit „Pride (In The Name Of Love)“. Politische Texte (die genannten Hits hatten allesamt einen politischen Hintergrund), Engagement gegen Unterdrückung und für Menschenrechte waren bereits von Beginn an ein großes Thema für U2, insbesondere für den Sänger Bono Vox. Beim Live Aid-Konzert 1985, das zur Bekämpfung der Hungersnot in Äthiopien aufrief, wurde U2 vor einem Millionenpublikum zu Stars. Den eigenen Meilenstein lieferten Bono, Larry Mullen, The Edge und Adam Clayton 1987 ab. „The Joshua Tree“ gehört wohl zu den 100 besten Alben, die jemals erschienen. Alle Singleauskopplungen daraus (z.B.: „With Or Without You“, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” und “Where The Streets Have No Name”) wurden zu großen Hits die heute zum festen Bestandteil der populären Musikgeschichte gehören. Nach einigen Stilwechsel und weiteren Erfolgen in den Folgejahren kamen sie 1998 zum Rock zurück. „All That You Can’t Leave Behind“ hieß der Longplayer aus diesem Jahr. Insgesamt brachte U2 13 Alben heraus, vielfältig, kraftvoll und immer mit großen Überraschungen.

Seit zwei Wochen nun ist das neue Album auf dem Markt … und sie überraschen immer noch. „No Line On The Horizon”. Der Titelsong ist zugleich Opener des Albums und lässt einem vor Staunen den Mund aufklappen. Ein Rocker mit einem schier unglaublich kräftigen Gesang von Bono. Man fragt sich wo die Band nach diesen vielen Jahren noch immer diese Power her nimmt. Die Mischung aus Radiotauglichkeit und Innovation macht diesen Song aus. Obwohl es neu klingt ist U2 eindeutig zu erkennen. Gerade das ist das Überraschende. Beim ersten Hören denkt man: „Das ist doch U2! Das ist ja Hammer!“ Es ist klar, warum Kritiker auf der ganzen Welt vor Lob geradezu explodieren.

Das gleiche gilt für den zweiten Song des Albums: „Magnificent“. Der Beginn geradezu überwältigend, entwickelt sich der Track zu einem klassischen U2-Song, der stark an „The Joshua Tree“-Zeiten erinnert. Dennoch frisch arrangiert mit einer schönen Melodie und ebenso überzeugendem Gesang.

Bei „Moment Of Surrender“ ist es wieder Bono, der gesanglich unglaublich stark den Titel trägt. Eine Fast-Ballade die ganz auf Bonos Gesang zugeschnitten ist. Man fragt sich ob er diesen Song auf der Bühne auch so hinbekommt. In den letzten Jahren hatte er doch bei Live-Auftritten bei einigen seiner alten Hits ein paar Probleme in die gleichen stimmlichen Höhen wie damals zu kommen. Doch auf CD klingt er göttlich.

Beim „Unknown Caller“ mischen sich verschiedene Stile und Anleihen anderer Bands. Ein wenig Beatles, ein wenig Genesis, doch eindeutig U2. Das Schlagzeugspiel von Larry Mullen lässt aufhorchen und The Edge mischt die „U2-Gitarre“ mit anderen. Ein abwechslungsreiches Stück. Qualitativ auf höchstem Niveau.

Unglaublich gut auch „I Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight“. Zuerst war ich an “Where The Streets Have No Name” erinnert, doch je länger der Song läuft um so mehr gleitet er in eine schnelle Nummer im typischem U2-Sound. Das heißt jedoch nichts Schlechtes. Im Gegenteil! Hier können sich einige Newcomer-Bands, die mit Eintagsfliegen die Charts unsicher machen, eine ganz fette Scheibe abschneiden.

Die erste Singleauskopplung „Get On Your Boots” hingegen ist so untypisch U2, dass es einem die Sprache verschlägt. Ein verrückter Song bei dem man nicht weiß wo man landet. Man sucht eine bekannte Linie, doch in Strophe, Refrain, Strophe, Refrain, Brücke scheint man nur musikalisches Wirrwarr wahrzunehmen, zusammengeschweißt durch Rockgitarre und Bono. Es ist Hammer!

Auch „Stand Up Comedy“ lässt dem Hörer keine Pause. Die Gitarre rockig aber nicht schwerfällig. Geradezu leichtfüßig tänzelt die Band durch den Song, ein Hörvergnügen. Was haben die vier älteren Herren genommen um so gut zu sein? Fast beängstigend.

Der Anfang von „Fez-Being Born“ holt uns schließlich wieder etwas auf die Erde zurück. Ein experimenteller Beginn, der schließlich nach ca. einer Minute wieder in U2 mündet. Zwar rockig, zwar kraftvoll, dennoch ein wenig beruhigend nach der bisherigen Achterbahnfahrt des Albums. Auch Bono erscheint hier etwas zurückhaltender als ob er Kraft tankt für den Rest des Albums.

Mit „White As Snow“ wird es ganz ruhig. Passend zum beeindruckenden Text schafft U2 hier eine Ballade die so ganz anders ist als zum Beispiel das berühmte „One“. Dennoch mitreißend. Es packt den Hörer, Gänsehautgarantie. Danke Bono

Ein “Fast-Schlagzeug-Solo” am Anfang von „Breathe“ zeigt dass Larry Mullen noch Feuer unter dem Hintern hat. Gesanglich erinnert der Song etwas an Bob Dylan. Ein Sprechgesang von Bono, auch eher selten. Schnell ist der Song. Abwechslungsreich und überraschend. Wirklich gelungen.

„Cedars of Lebanon“ verabschiedet uns von „No Line On The Horizon“. Politisch und eindringlich. Bono klingt etwas predigend. Er erzählt uns eine Geschichte und man hört gebannt zu. Musikalisch nicht das stärkste Stück, doch darauf kommt es hier nicht an. Die Geschichte ist es die uns fesselt.

Zusammenfassend ist ein Superlativ angebracht. Ein Meilenstein für U2. Für mich das Album des Jahrzehnts. Nichts hat mich in den müden 2000er Jahren musikalisch so vom Hocker gerissen wie „No Line On The Horizon“. Selbst für Leute die keinen Rock mögen ist dieses Werk ein Hörgenuss. Die Älteren unter uns schwellen stolz die Brust und denken „Die Helden unserer Jugend sind noch immer stark“ und für die Jüngeren sei gesagt: Hört euch dieses U2-Album an und seit ebenso stolz in einer Zeit zu leben, in der U2 kein Abklatsch ihrer alten Erfolge sind, sondern am Puls der populären Musik mitwirken. Während Britney mopsgleich über die Bühnen der Welt tänzelt und Eminem mit peinlichen Texten Kopfschütteln verursacht, zeigt eine Band aus den längst vergangenen 80er Jahren, dass Qualität auch immer wieder in neuem Gewand daherkommen kann. Es geht noch was! Gratulation an U2.

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Das erste mal auf Metallica aufmerksam wurde ich 1988. Der Song hieß „One“ und gehört bis heute zu meinen Favoriten dieser Band. Ein Anti-Kriegs-Song, der dennoch aggressiv und wütend klingt. Mit E-Gitarren wurden Maschinenpistolen nachgeahmt. Ein Song, der sich so sehr in das Gehirn einfrisst, dass seine Wirkung immer anhalten wird. Der Text bezieht sich auf den Roman „Johnny zieht in den Krieg“ von Dalton Trumbo aus dem Jahre 1939. „One“ ist deshalb so eindrucksvoll, weil es mehrere Stilelemente in sich vereint. Es beginnt wie eine Ballade und endet in einem Gitarren-Gewitter. Ergebnis: großer kommerzieller Erfolg, der erste Grammy und Platz 7 auf der Liste von „Best Guitar Solo“ von Guitar World.
Metallica gründete sich 1981 in Los Angeles. Mit inzwischen zehn veröffentlichten Studioalben und über 100 Millionen verkauften Tonträgern gehören sie in den Olymp der Metal-Bands. Sie haben den Verlauf des Heavy-Metals entscheidend mitgeprägt und haben bisher an ihrer Qualität nichts eingebüßt. Stilelemente wie Rock und Blues ließen sie ebenso in ihre Musik einfließen. Auch die immer wieder vollzogene Rückkehr zum echten Heavy (Trash) Metal hielten sie an der Spitzenposition. Sie gehören zu den wenigen Metal-Bands die ungeheuren kommerziellen Erfolg hatten und ihre Fangemeinde über die Grenzen der Metal-Szene ausdehnen konnten. Während der breiten Öffentlichkeit oft nur die Rock-Balladen einer Metal-Band im Gedächtnis bleiben, hat es Metallica geschafft auch mit ihrem harten Sound die breite Masse zu erreichen. Einen großen Anteil daran hatte das Album „Metallica“, auch „schwarzes Album“ genannt von 1991. Neben der ultimativen Ballade „Nothing Else Matters“ (erfolgreichster Hit der Band), sind auch „Enter Sandman“ und „Sad But True“ zu Hymnen aufgestiegen.
Am 12. September 2008 wurde nun „Death Magnetic“ veröffentlicht. Nach fünf Jahren Pause ein neues Studio-Album, dass wieder zu beeindrucken weiß.
Das Album beginnt mit einem Herzschlag, und die einsetzende Gitarre erinnert an „One“. Doch nach ca. 45 Sekunden geht es richtig los. „That Was Just Your Life“ lässt den Hörer sofort wissen: Metallica ist wieder da. Wild, rau, ehrlicher, harter Metal, ganz nach altem Muster. Da ist sie wieder: die Rückkehr zu den Wurzeln.
„The End Of The Line“ setzt den ersten Song musikalisch fort. Es kracht, fetzt, und der Gesang setzt erst nach einer Minute ein. Der Gesang ist übrigens typisch Hetfield. Er hat nichts eingebüßt von Kraft und Wirkung.
„Broken Beat & Scared“ zeigt als dritter Song, dass Metallica tatsächlich bei diesem Album nicht an Experimenten interessiert war. Der rote Faden wird auch hier weiter gezogen. Man wird eindeutig darauf hingewiesen: Mainstream ist nicht!!! Wir sind Metallica!! Also erwartet keinen musikalischen Waschgang mit Weichspüler:
„The Day That Never Comes“ ist die erste Single-Auskopplung dieses Albums. Eine gute Wahl. Der Song kommt anfänglich langsamer daher und führt den Hörer an die Härte des Songs heran. Metallica hat eine Menge reingepackt in diesen Song. Zeit genug ist ja mit fast 8 Minuten. (Kein Song des Albums bleibt unter 5 Minuten, kaum einer unter 7). Ein herrliches Stück, das gegen Ende geradezu aufwühlt. Das Gitarren-Solo erinnert wieder an „One“. Ausgezeichnet.
Als nächstes lässt uns „All Nightmare Long“ erzittern. Hier hält es mich kaum auf dem Stuhl. Ich war nie ein leidenschaftlicher Headbanger, aber der Kopf beginnt automatisch zu wippen bei diesem Song. Gesanglich ist Hetfield hier ungemein stark und auch Lars Ulrich zeigt am Schlagzeug was er kann. Ein unglaublich guter Song, der mir bisher am besten gefällt. Oh my god!!! I’m a fan!!!
“Cyanide” knallt gleich weiter. Je länger das Album läuft umso mehr Lust bekommt man es zu hören. Fast stehen mir die Tränen in den Augen. Wie sehr man manchmal Trash braucht bekommt man gar nicht mit. Neben all dem Dance-Müll im Radio, den immer gleichen Balladen und peinlichen „Superstar-Ausrutschern“ tut dieses Album gut. Metallica zeigt sein altbekanntes Können Es klingt neu aber dennoch alt. Faszinierender Mix.
WAS IST DAS??? Piano? Geigen? Wo sind wir? Willkommen zu „The Unforgiven III“. Die Erfolgsgeschichte von „The Unforgiven“ ist lang. Beginnend mit dem Jahrhundertsong von 1991 erfährt er nun die zweite Fortsetzung. Getragen fängt der dritte Teil an. Auch der mit Gitarren- und Gesangsteil kommt etwas langsamer daher, doch der Song steigert sich. Die letzten beiden Minuten brennen schließlich das Feuerwerk vollständig ab und bringt es zum ruhigen Ende.
„The Judas Kiss“ lässt uns nicht die jetzt benötigte Atempause. Es kracht, aber ich erkenne, dass hier der Funken nicht überspringen will. Dieses Stück fällt etwas zurück. Etwas zu sehr Metallica. Nicht schlecht, aber auch nicht vom Hocker reißend. Aber der Höhenflug kann auch auf einem Spitzen-Album nicht immer anhalten.
Als vorletztes erscheint „Suicide & Redemption“ auf der Bildfläche. Es beginnt abwechslungsreich und interessant. Nach zwei Minuten jedoch fragt man sich…wo bleibt der Gesang? Als er selbst nach drei Minuten nicht kommt setzt Langeweile ein. Ein zehnminütiges Instrumentalstück. Die Abwechslung vom Anfang des Songs verpufft. Daran ändert auch nichts der kurze, ruhige Mittelteil des Songs. Als Albumfüller nicht geeignet und unnötig. Vielleicht wäre das eine Stelle für eine geile Cover-Version gewesen.
„My Apocalypse“ ist der Abschluss des Albums. Hier langen Metallica noch einmal richtig zu. Schnell, laut, heftig, geil. Ein richtiger Hammer. Man hat das Gefühl die Band möchte Zum Schluss erneut beweisen, dass sie die Größten sind. Brauchen sie nicht. Das wissen wir auch so….

Zusammengefasst muss man sagen, dass es sich um ein ungeheuer kraftvolles und starkes Album handelt. Gratulation an die Herren. Eine breite Masse erreichen sie damit zwar nicht, aber das brauchen sie auch nicht. Metallica bleibt Metallica. Mehr müssen wir nicht wissen um sie zu lieben.

Als Einstieg das Video zur Single “The Day That Never Comes”

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Wunderschön lyrisch und ehrlich…so war sein Einstand in die Liste der Musiker die es wohl geschafft haben:
“Where is the moment when you need it the most
You kick up the leaves and the magic is lost”
Es war vielleicht ein “Bad Day” als er diesen Song schrieb… aber viele schlechte Tage sollten danach nicht mehr folgen. Es wurde ein Welthit 2005/06 und landete sogar an der Spitze der amerikanischen Charts. Daniel Powter wurde zum vielversprechenden Musiker, der nun sein neues, drittes Album vorlegt.
Der inzwischen 37jährige Kanadier hat schon als Kind begonnen sich mit Musik auseinander zu setzen. Auf die Violine folgte das Klavier und früh gründete er seine eigene Band… vor fast 20 Jahren. Doch erst im Jahre 2000 brachte er sein erstes Album heraus. Nur in Kanada veröffentlicht hatte er jedoch nur mäßigen Erfolg damit. Erst 2004, mit dem zweiten Album „Daniel Powter“ stellte sich der weltweite Erfolg ein. Frankreich, Schweiz, Großbritannien, schließlich USA und die restliche Welt.
Nun versucht er mit seinem neuen Album „Under The Radar“ an diese Erfolge anzuknüpfen.
Dann nehmen wir uns die neue Scheibe einmal vor und schauen etwas genauer:
„Best Of Me“ ist der Opener des Albums und verführt uns sofort ins Reich der Träume. Das bereits bekannte Klavierspiel und der weiche Gesang lassen den Hörer sofort merken um wen es sich handelt. Über eine schöne Pop-Nummer kommt der Song jedoch nicht heraus. Das Beste von ihm kann das nicht sein… gespannt erwartet man den zweiten Song
„Not Coming Back“ hat schon ein anderes Tempo. Gitarrenklänge, wenn auch verhalten, dafür kraftvoller Gesang und eine Steigerung zum ersten Titel. Unbemerkt wippt man mit dem Fuß mit und denkt: „Ja, nett, aber noch steigerungsfähig!“.
„Whole World Around“ hingegen verlangsamt das Tempo wieder. Eine schöne Melodie, doch nicht wirklich neu. Man fühlt sich an andere Songs erinnert… aber man kommt nicht drauf, an welche.
„Next Plane Home“ ist die erste Single-Auskopplung dieses Albums. Das verdeckt jedoch nicht die Schwäche des Songs. Ein nicht gelungener Supertramp-Abklatsch mit wenig Hit-Charakter. Es plätschert vor sich hin. Ein Hit wird es vielleicht nur weil es die neue Single von Powter ist. Vergleiche zu James Blunt braucht man erst gar nicht zu ziehen, denn dieser wirft mehr in die Waagschale. Vielleicht muss man den Song einfach 50 mal hören um gefallen daran zu finden.
„Am I Still The One“ ist schon abwechslungsreicher. Linda Perry unterstützt den Gesang. Eine schöne Ballade mit teilweise neuen Klängen. Als erster Höhepunkt ist dieser Song zu bezeichnen… in der Hoffnung, dass noch welche folgen auf diesem Album.
Bei „Negative Fashion“ beginnt man das erste mal zu gähnen. Ok, es ist sicher qualitativ wertvoller als so manch anderer Kram, der sich zur Zeit in den Charts tummelt, aber vom Hocker reißt es mich nicht. Dennoch: schöner Gesang, gut produziert, angenehm mit den Orchester-Parts und dem Klavier.
„Don’t Give Up On Me“ ist dann der Zeitpunkt an dem man am liebsten die CD wechseln würde. Powter meets Blunt, anders kann man diesen Titel nicht beschreiben. Eine erstaunliche Ähnlichkeit der beiden Künstler und man fragt sich: Wer kupfert hier bei wem ab?
„Fly Away“ klingt da schon anders. Die akustische Gitarre gibt dem Ganzen schon einen ganz anderen Klang. Hoher und schnellerer Gesang lockern das bisher eher langsame Album etwas auf. Der große Wurf ist dieser Song jedoch auch nicht.
„Beauty Queen“ ist eine schöne, wirklich gelungene Ballade. Toller Text, stimmlich gut umgesetzt. Man merkt jedoch, dass man sich inzwischen an das langsame Tempo des Albums gewöhnt hat.
„My So Called Life“ mag zwar etwas „schneller“ sein, aber man hat innerlich schon einen Haken hinter dieses Album gemacht. Noch ein Song, und wir haben es geschafft….
„Love You Lately“ ist dann schließlich aus einem Guss wie sein großer Hit “Bad Day”. Nicht ganz so überzeugend, aber durchaus vorzeigbar. Das wäre doch eine nette Single gewesen… vielleicht kommt das ja noch…
Als Fazit sei gesagt, dass man dieses Album nicht zwingend haben muss. Man verpasst nicht wirklich etwas.
Schade, ich hatte mehr erwartet.

Um sich ein „Bild“ zu machen hier das Video zur Single „Next Plane Home“

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Inzwischen ist es 38 Jahre her, dass drei Musiker eine Band gründeten und sie „Queen“ nannte. Ab 1971 starteten sie zu viert eine der beeindruckendsten Karrieren der Rockgeschichte. Mit „Keep Yourself Alive” begann schließlich 1973 der Aufstieg von Queen und sie wurden im internationalen Musikgeschäft im Laufe der Jahre immer einflussreicher. Besonders der markante Gesang des Frontmanns Freddie Mercury und das unverwechselbare Gitarrenspiel von Brian May trugen zum kometenhaften Aufstieg bei. Bis zum Tod von Freddie 1991 lieferten sie einen Evergreen nach dem anderen ab. Songs wie „We Will Rock You“, „We Are The Champions”, “Bohemian Rhapsody” oder “Radio Ga Ga” machten sie unsterblich.
Nun gibt es ein neues Album von “Queen & Paul Rodgers”. Da niemand Freddie Mercury ersetzen kann einigte man sich auf diesen Namen. Wer aber ist Paul Rodgers? Er ist alles andere als ein Newcomer. Ähnlich in die Jahre gekommen wie die Bandmitglieder von Queen, hatte er bereits Hits, als es Queen überhaupt noch nicht gab. Als Sänger der Rockgruppe „Free“ hatte er seinen größten Hit 1969 mit „All Right Now“.
Obwohl Rodgers nicht mehr ganz taufrisch ist, schafft er es noch immer einen ausdrucksstarken Gesang abzuliefern. Grund genug für Queen es mit ihm zu versuchen. Bereits in den vergangenen Jahren traten sie gemeinsam auf… und nun ein Album. Hören wir doch einmal hinein:
„We Believe“ ist ein Song der erst nach knapp zwei Minuten beginnt nach Queen zu klingen. Das auch nur, weil der typisch gesangliche Background von Brian May dann einsetzt. Eine schöne Nummer mit wenigen Überraschungen. Klingt etwas nach Marillion in den 80ern, aber das ist ja auch nicht das Schlechteste.
„Call Me“ ist eher missglückt. So etwas erwartet man von Queen nicht mehr. Ein leichter Abklatsch von „Crazy Little Thing Called Love“ aus dem Jahre 1980. Braucht man nicht wirklich.
Bei „C-lebrity“ laufen die gestandenen Herren jedoch zur Hochform auf. Rockiger Einstieg, kerniger Gesang von Rodgers und interessanter Rhythmus. Das ist Queen. Das erwartet man. Hier vermisst man auch Freddies Stimme nicht. Paul Rodgers macht es zu seinem Song, der sich mit Mercury nicht messen muss. Single-Auskopplung war ein Muss!
„Cosmos Rockin” beginnt innovativ und geheimnisvoll. Einsetzende Gitarren und toller Gesang machen sofort Spaß. Hier rockt der Kosmos wirklich. Auf den Hall im Stile alter Rock ‘n’ Roll Klassiker hätte man jedoch verzichten können.
„Say It’s Not True” plätschert leider etwas vor sich hin. Der Versuch einer Ballade die nicht wirklich gelungen ist. Hier wirkt der Gesang an einigen Stellen etwas angestrengt. Die Wunder des technischen Halls sind auch hier ausgemerzt und geben dem Song in der ersten Hälfte eine gewisse peinliche Note. Erst beim Einsetzen des rockigen Teils lässt sich der Song aushalten. Hier fehlt Freddies Stimme ganz eindeutig.
„Small“ ist ein nettes Liedchen das in der Machart und im Gesang etwas an Paul McCartney erinnert. Ein großer Wurf hingegen ist es nicht. Eher poppig als rockig, ein bisschen lalala… warum nicht?
„Some Things That Glitter“ …aber dieser Song gehört nicht dazu. Eine typische Brian May Komposition. Da hört man schon ohne nachschauen zu müssen, wer den Titel geschrieben hat. Es hätte eine schöne Ballade werden können. Das Schlagzeugspiel von Roger Taylor verhindert das jedoch.
Bei „Still Burnin” sagt bereits der Titel, dass das Feuer der Jungs noch nicht erloschen ist. Elemente von Blues-Rock und rauer Gesang Rodgers machen den Song zu einer wirklich guten Nummer. Nicht kommerziell genug für eine Single-Veröffentlichung, vermute ich einmal, aber toll. Auch die kurzen Elemente von „We Will Rock You“ sind sehr gut eingefügt und machen den Song zu einer Perle des Albums.
„Surfs Up…School’s Out!” ist ein Knaller. Modern, rockig, beeindruckend. Der Höhepunkt des Albums. Neue Ideen mit alten Elementen gemischt. Dieser Song geht ins Ohr und man muss ihn immer wieder hören. Hut ab, Jungs.
„Through The Night“ ist ein Gänsehaut-Titel. Der Gesang berauschend schön, balladig und zu Herzen gehend. Mit diesem Song ist die Nacht gerettet. Er macht Lust auf mehr und bei geschlossenen Augen wirkt er doppelt stark.
„Time To Shine“ zeugt auch von Qualität. Gar nicht Queen, gar nicht Paul Rodgers, aber gelungen von der ersten bis zur letzten Note. Da wundert man sich mal wieder wie ein 59jähriger noch mit seiner Stimme umgehen kann. Fragt man seinen eigenen Daddy zu Hause ob er doch bitte auch einmal so singen könnt, erntet man nur entrüstetes Kopfschütteln.
Bei „Voodoo“ jedoch fängt man an zu gähnen. Langweiliger, weil schon zu oft gehörter Blues-Rhythmus und öde Umsetzung des Themas. Etwas für Blues-Fanatiker… für andere eher lau bis nervig.
Schließlich „Warboys“. Eine gut gemeinte Rock-Nummer, die aus dem unteren Mittelmaß nicht hinauskommt. Klingt etwas überladen mit den Gitarren… nur das Schlagzeug-Solo lässt ein klein wenig aufhorchen.

Gesamtfazit: Trotz ein paar Schwächen durchaus hörenswert bis sehr gut. Der Begriff “Geschmackssache” ist natürlich immer dabei. Ich zumindest bin froh das Album zu haben und werde es sicher öfter hören. Empfehlenswert, Hörenswert. Queen ist zurück. Juhuuuuu!

Als Video hier ein Live-Mitschnitt der Single „C-lebrity“ von diesem Album

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Ihr letzter Nummer 1 Hit ist 22 Jahre her aber noch immer kennt sie jeder, der ein wenig in der Musik der 80er Jahre herumgestöbert hat. 1994 schaffte es die Neuauflage ihres größten Hits „Girls Just Want To Have Fun“ immerhin nocheinmal auf Platz vier der Britischen Charts….aber das ist bereits auch schon 14 Jahre her. Richtig still wurde es nie um sie. Albumveröffentlichungen gab es immer wieder in den letzten Jahren, auch ihre Klassiker der 80er Jahre laufen noch immer auf den Radiosendern, doch den großen Hit schaffte sie nicht mehr. Ob sich das mit dem neuen Album ändert bleibt abzuwarten, aber es ist grandios, das allein zählt.
Die inzwischen 55jährige Cyndi Lauper zeigt es ihrer jungen Konkurrenz ganz gehörig. Einst sang sie Frauenhymnen, eckte an mit Texten über weibliche Selbsbefriedigung (She Bop), war melancholisch („True Colors“, „Time After Time“) und ebnete einem neuen Frauentyp in der Pop-Musik den Weg. Heute scheint sie reifer zu sein, eine gestandene Frau, die sich über bestehenden Kommerz hinwegzusetzen scheint und in sich und ihrer Musik ruht. Sie ist noch immer „unusual“, doch sie ist es als Frau in den besten Jahren. Das freche Gör war einmal.
„Bring Ya To A Brink“ heißt ihr neues Album und es lässt aufhorchen. Stimmlich ist sie etwas rauer geworden, erinnert ein wenig an Marianne Faithfull oder die ältere Dusty Springfield, doch musikalisch ist sie frischer denn je.
Schauen wir mal etwas genauer hin:
„High And Mighty“ ist der Opener des Albums und sofort merkt man, dass hier mit modernen Mitteln gearbeitet wurde. Das etwas Altbackene der 80er ist kaum noch zu spüren. Heißer Beat, hauchender Gesang…man ist überrascht.
Der Knaller des Albums kommt gleich als zweiter Track daher. Das als Single erschienene „Into The Night Life“ klingt wie Madonna, doch es geht mehr ins Ohr als die neuen Songs von Madonna. Tolle Melodie, grandioser Gesang, qualitativ hochwertiger Sound mit Überraschungen. Mit mehr Promotion hätte dieser Song den Stempel „Hit“ verdient. Doch Cyndi Lauper genießt nicht die mediale Aufmerksamkeit einer Madonna, so wird auch dieser Song voraussichtlich weitgehend unbeachtet bleiben. Zu wünschen wäre es Cyndi nicht.
„Rocking Chair“ hingegen klingt mit den verschiedenen Sounds etwas überladen und nervt ab der zweiten Strophe…aber es macht neugierig auf die weiteren Tracks des Albums.
„Echo“ ist dann wieder der perfekte Dancefloor-Knaller. Etwas experimentell mit den Echos, aber er geht ins Ohr und es macht Spaß beim Hören, denn der Refrain ist eingängig…hier jedoch merkt man der Stimme an, dass Cyndi keine 25 mehr ist.
„Lyfe“ ist gut gemeint, doch ist musikalisch nichtssagend. Cyndi versucht zu rappen. Wers mag…
„Same Ol’ Story” ist gesanglich mit das anspruchsvollste Stück des Albums. Ihre Stimme trägt den Song und beeindruckt.
„Raging Storm“ kommt etwas langweilig und gewöhnlich daher. Textlich gelungen, die musikalische Umsetzung nicht schlecht, aber eher Füllstoff für das Album.
„Lay Me Down“ eröffnet die Reihe von drei aufeinanderfolgenden Knallern. Beim ersten fühlt man sich etwas an Lisa Stansfield erinnert. Flott, geht ins Blut und gehört zu den nächsten Single-Anwärtern.
„Give It Up“ zeigt uns, dass es Cyndi drauf hat und sie möglichst nicht “aufgeben” sollte. Gesanglich hervorragend, Beat und Arrangement überzeugen. Könnte in den Clubs ein Renner werden.
„Set Your Heart“ beginnt wie ein Song von Kylie Minogue, doch beim Einsetzen der guten, alten Cyndi-Stimme ist man gefangen. Für mich nach „Into The Night Life“ der beste Track des Albums. Man bekommt Lust nach mehr.
„Grab A Hold“ schließt allerdings nicht ganz an. Gut, ohne Frage, aber Refrain und Strophen wirken etwas vorhersehbar und eintönig.
„Rain On Me“ ist eine ruhige Nummer, die an „True Colors“ erinnert, auch wenn es mehr Tempo hat. Ein schöner Song. Zurüchklehnen, genießen, es tut gut.

Die Bonus-Tracks liegen mir vor, doch ich kann noch nicht sagen welche davon auf der deutschen Ausgabe des Albums enthalten sein werden, da es in Europa erst Anfang August herauskommen wird. Vielleicht ändert sich auch noch die Reihenfolge der Songs.

Der Gesamteindruck des Albums ist sehr positiv. Man merkt den Aufnahmen an, dass erfolgreiche Künstler wie Basement Jaxx mitgewirkt haben, die House und Electro haben einfließen lassen.
Ich kann das Album empfehlen. Für mich ist es ein wunderbares Comeback einer großen Künstlerin.

In meine DJ-Playlist übernehme ich natürlich die Single „Into The Night Life“ sowie die Songs „Echo“, „Same Ol’ Story“, „Lay Me Down“, Give It Up“ und “Set Your Heart”

Eine Live-Version der neuen Single “Into The Night Life” ist hier zu sehen

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Counting Crows? Wer? Die Counting Crows sind wohl eine der unbekanntesten bekannten Bands. Englisch sprachiger Folk Rock mit absolut tiefgehenden Texten gepaart ergab “eines der besten Rock Alben 1993″. Und genau um dieses Album geht es nun.
Das gelbliche Cover, mit dem Text des nur auf der Single des Songs Holiday in Spain veröffentlichten Liedes August and Everything After, enthält eine Platte, die zu dem Besten gehört, was meine Ohren je vernommen haben.
Der grandiosen Opener Round Here, mit mehr Gefühl als Tom Hanks in Schlaflos in Seattle spielt von Adam F. Duritz gesungen, ist ein Song, den man getrost zu jeder Jahreszeit seiner Liebe vorspielen kann, um Extase, Sehnsucht und Romantik vorzurufen. Omaha, liegt übrigens in der Mitte Amerikas, ist ein sehr folkiger Song, unterstützt von einem Akkordeon, und handelt von einem alten Mann auf dem Lande, der durch eine neue Liebe zu einem jungen Mann wird. Kurz angerissen zumindest. Denn die Bedeutungen der Songs der Counting Crows sind meist sehr sehr vielschichtig und auch reich an Interpretationsmöglichkeiten.
Kommen wir wohl zum berühmtesten Liedchen der Crows. Mr. Jones (in Anlehnung an diesen Song ist auch der Name dieses Blogs entstanden). Mr. Jones beschreibt den Wunsch zweier junger Männer, Adam Duritz himself und der Bassist Marty Jones (jap, DER Mr. Jones), die unbedingt berühmt werden wollen. Sehnsucht nach dem großen Erfolg und der wohl unrealistischen Hoffnung, mit dem Erfolg bzw. der Berühmtheit die Einsamkeit zu besiegen. Ein absoluter Klassiker, rockig, mit tollem Text und eigenwilligem Refrain. Durch dieses Lied sind die Crows berühmt geworden. Wie es scheint muss man es also nur besingen.
Perfect Blue Buildings ist eine Ballade mit sehr schönem roten Faden durch den gesamten Song. Das Schlagzeug wird statt mit Sticks mit Besen gespielt, was eine sehr ruhige Atmosphäre hervorruft. Insgesamt ein sehr schöner Song zum Nachdenken, zum Aus-dem-Fenster-Schauen bei schlechtem Wetter oder zum Interpretieren. Wie immer bei den Counting Crows.
Anna Begins. Was soll man zu diesem Song sagen? Dies ist wohl eines der besten Stücke, die je von dieser genialen Band geschrieben wurde. Es handelt von einem Mann, der nicht weiß, ob er für die Beziehung zu Anna bereit ist – sich aber langsam im Song immer und immer mehr in sie verliebt. Das Schniefen beim Schlafen, das Sprechen im Schlaf, die Schlaflosigkeit, wenn sie neben ihm liegt. Er fragt Gott, ob er bereit für diese Sache ist. Ehe er sich versieht verschwindet sie. And Anna Begins to change my mind…
Wuahh, Gänsehaut!
Time and Time again ist einer der wenigen musikalischen Ergüsse der Crows, der mich zwar textlich überzeugt, aber der Refrain geht mir nur auf den Sack. Ich kann nun mal nicht alles mögen – auch nicht von meiner Lieblingsband.
Deswegen komme ich zu den von mir geschätzteren Songs: Rain King. Live übrigens absoluter Oberhammer, vor allem mit dem Mix des Liedes Oh, Susanna. Rain King basiert auf dem Buch Henderson, the Rain King und handelt von einer Person mit “offenen Wunden”. Zurückgezogen lebt ein Mann, ein unglaublich kreativer Mann, der seiner Angebeteten nicht zeigen kann, dass er sie liebt, denn er traut sich nicht aus dem Haus zu gehen. Irgendwann stirbt sie. Irgendwann trinkt er. Und wird zum Regenkönig.
Sullivan Street, Ghost Train und Raining in Baltimore sind sehr sehr nachdenkliche Songs über Sehnsucht, Angst, Liebe und Trauer.
Der letzte Song des Albums schließlich, A Murder of One, beinhaltet einen Abzählreim aus den US of A, der wie folgt lautet:

Well I dreamt I saw you walking up a hillside in the snow
Casting shadows on the winter sky as you stood there, counting crows
One for sorrow, two for joy
Three for girls and four for boys
Five for silver, six for gold
Seven for a secret never to be told

Irgendwas bemerkt? Richtig. Der Name entstand aus diesem Reim, der wohl so etwas wie eine sinnlose Beschäftigung darstellen soll.
Das Lied A Murder of One an sich ist eine recht rockige Nummer, die live in der verlängerten Version absolut reinhaut und zum Springen einlädt.
Die Platte mit elf Nummern und einer Gesamtspielzeit von 51:37 Minuten ist ein Must-Have. Jeder, der die Scheibe oder die Band noch nicht kennt sollte sie sich schnellstmöglich beim Plattendealer des Vertrauens besorgen. Wenn nicht, sollen Euch die Ohren abfallen und die Kekse für ein Jahr entzogen werden.
Soviel dazu.
…and we stare at the beautiful women…

Bild von Robert a.k.a. Bob von Flickr unter folgender Lizenz

„Like a virgin. Touched for the very first time”. Als Madonna das 1984 sang wurde ich das erste mal auf sie aufmerksam durch den Video-Clip dieses Songs. Ich sah eine mit Ketten behangene Blondine, die sich in einer Gondel räkelte und ich dachte: „Was ist das denn für eine widerliche Tussi?“. Ich vergab sofort meinen Titel „unbedeutendes Pop-Sternchen ohne Zukunft“ und war mir sicher: Von dieser Heulsuse höre ich nie mehr etwas! So kann man sich täuschen. Heute, im Alter von fast 50 Jahren, blickt Madonna auf 26 Jahre Musikkarriere zurück, hat ein Vermögen von 600 Millionen Dollar, ist die meistfotografierte Sängerin der Welt, Mitglied in der Rock and Roll Hall Of Fame, hat alle Preise bekommen und erreichte in den USA mehr Top Ten Hits als Elvis Presley. Das würde zur Beschreibung ihrer Karriere schon ausreichen. Doch gehen wir etwas tiefer. Für mich ist Madonna ein Phänomen. Kein Musik-Künstler (von David Bowie vielleicht einmal abgesehen) erfand sich so oft neu, wandelte sich von einem Extrem zum Anderen wie Madonna. Sie war immer am Puls der Zeit, erregte Aufsehen, eckte an, sorgte für Skandale und brachte Musik heraus, die stets modern und beeindruckend war. Man braucht sie nicht zu mögen, aber ihre Karriere muss man anerkennen, ob man will oder nicht.
Die Stationen ihres Lebens hier jetzt darzustellen würde den Rahmen dieser Seite sprengen. Ich möchte mich daher auf zwei Dinge beschränken: ihr neues Album und ihre Männer.
Beginnen wir mit dem Zweiten und der Erkenntnis, dass ich mit Madonna etwas gemeinsam habe. Den Männergeschmack! Wenn ich mir anschaue welche Typen Madonna in ihren Leben vernascht hat läuft mir das Wasser im Mund zusammen. Nicht dass ich auf die Öffentlichkeit ihrer Beziehungen scharf wäre, es sind die Männer selbst, die mich faszinieren. Doch ich möchte ernst bleiben. Auch wenn Madonna den Eindruck erweckt eine Einzelkämpferin zu sein bin ich mir sicher, dass ihre Suche nach einem Mann als Stütze eine größere Bedeutung in ihrem Leben hatte, als sie es öffentlich zugeben würde. 1985 heiratete sie den amerikanischen Schauspieler Sean Penn. Ein herausragendes, viel zu oft unterschätztes Talent. Er war der raue Kerl, der Macho, das Sex-Tier schlechthin. Aus heutiger Sicht passte er zum Image von Madonna. Die Tabu-brechende Sängerin hatte sich einen gewalttätigen Schläger geangelt und zeigte somit, dass sie selbst ein raues Wesen sein wollte, das über Geschmacksgrenzen hinweg das eigene Image festigen sollte. In ihrer Liebe übersah sie jedoch, dass Penn ihr nicht die Stütze sein konnte, nach der sie suchte. Sean Penn fiel gerade Mitte der 80er durch seine Gewalt-Eskapaden auf. Er verprügelte einen Fotografen und landete wegen eines anderen Gewaltdeliktes für einen Monat im Knast. Wie so oft vermischte sich hier Genie und Wahnsinn, was auf viele eine ungeheure Anziehungskraft hat. (Wie auf mich, ich gebe es zu *schnüff*) Zu verdanken haben wir der Ehe von Madonna Louise Ciccone und Sean Penn das Album „True Blue“, das wohl noch heute zu den Besten ihrer Karriere zählt. 1989 kam es zur Scheidung und Madonna ging in sich, besann sich auf ihre Vergangenheit und Herkunft und verarbeitete ihre Seele in einem musikalischen Werk, das noch immer Bestand hat. Ihre Mutter starb mit fünf, dennoch erinnerte sich Madonna daran, dass Madonna Louise Fortin (die Mutter) ihr einst das Beten beibrachte. Durch die Ehe-Enttäuschung und der Rückblick auf ihr Leben erkannte sie, dass mehr in ihr steckte, als schmale Pop-Nummern zu produzieren um damit Geld zu verdienen. „Like A Prayer“ war der Ausdruck der neuen, nachdenklichen Madonna und förderte ihr erstaunliches Talent zutage, auch wenn sie es dennoch nicht ohne Übertreibungen und Skandale schaffte. Was mir als erstes ins Gedächtnis kommt wenn ich an „Like A Prayer“ denke ist der Geruch. Madonna ließ das Cover des Albums mit Weihrauch-Duft tränken. Ich weiß bis heute wie es roch…und dass dieser Geruch wochenlang das Zimmer meiner jüngeren Cousine verpestete. Selbst wenn man das Album nicht hörte oder sah, man hatte ständig in der Nase: „Madonna ist hier“. Skandalumwittert war natürlich das Video zum Titelsong. Ein schwarzer Jesus am Kreuz (der im Übrigen unglaublich gut aussah) war wohl zuviel für die arme Kirche und forderte Madonnas Exkommunikation. Das sollte jedoch nichts daran ändern, dass dieses Album einen unglaublichen Erfolg hatte und zu den Meisterstücken der amerikanischen Pop-Sängerin gehört. Zurück zu Madonnas Männern. Ihre zahllosen Affären (unter anderem mit dem Superschnuckel Nick Kamen) und ihre erotischen Projekte (Film und Musik) machten aus ihr den Männer fressenden Vamp. Bei fast allen ihrer Arbeiten der Nach-Sean-Penn-Ära spielte der Sex eine große Rolle, wurde in den Vordergrund gerückt. Bis irgendwann…ich mag es kaum aussprechen…ihr Alter in die Quere kam. Ende der 90er musste Madonna feststellen, dass sie eben nicht mehr das taufrische Sex-Symbol war, mit dem sie immer punktete. Auch in ihrem Wesen, ihrer Lebenseinstellungen traten Veränderungen auf. Ausgeprägtestes Beispiel für diese Wandlung ist die Heirat mit dem Softie Guy Ritchie. Gegen Sean Penn ist Ritchie nahezu eine Schlaftablette…aber eine gutaussehende Schlaftablette. Reflektierend, ein wenig in sich gekehrt und Öffentlichkeitsscheu stellte er das beste Beispiel für Madonnas Wandlung dar. Zuneigung, Halt, Stütze sind in Ritchie vereinigt. Auch der Umstand, dass Madonna 1996 erstmals Mutter wurde trug zur erheblichen Veränderung ihres Lebens bei. Sie wies sich in diesem Jahr auch das erste mal als Studentin des Kabbalah aus, einer mystischen Form des Judentums, und verarbeitete ihre Erfahrung damit zum Beispiel in dem Album „Ray Of Light“. Auch dieses Album ragt ungewöhnlich aus ihrer Diskografie heraus. „Frozen“ und der Titelsong „Ray Of Light“ haben eine deutlich höhere Qualität als die meisten anderen Arbeiten davor und danach. An der Seite von Guy Ritchie verschwandt Madonna zeitweise regelrecht. Sie wirkte unscheinbar, zurückgezogen, was man ihr noch vor zehn Jahren niemals zugetraut hätte. Doch inzwischen bricht sie wieder aus. Die alte Madonna scheint noch in ihr zu stecken. Vielleicht braucht sie nach jahrelangem in sich gekehrt zu sein wieder eine Phase, in der sie sich richtig austoben kann. Die Scheidung von Guy Ritchie kostete sie rund 30 Millionen britische Pfund. Ihre Musik bleibt wohl die einzige Konstante in ihrem Leben. Sie ist reifer geworden, aber sie ist noch immer Madonna!

„Hard Candy“ ist Madonnas brandneues Album, mit dem sie beweist, dass sie inzwischen zwei Gesichter hat. Das eine ist die Mutter und die Liebe zu ihren Kinder, das andere zeigt den Pop-Star, der noch immer keine Abnutzungserscheinungen aufweist. Zwölf neue Songs sind auf dem Album zu finden, geschmückt mit Gast-Stars, die sich ein Bein dafür ausreißen würden um nur einmal mit Madonna im Studio zu stehen. Es beginnt mit dem Song „Candy Shop“, der einen ungewöhnlichen, ansprechenden Rhythmus hat. Es wird sofort klar: auch hier haben wir es wieder mit einem Dance-Album zu tun. In einem Interview beteuerte Madonna, dass sie nach wie vor Lust darauf hat Dance-Musik zu machen. „4 Minutes“ ist der zweite Track und war zugleich die Vorab-Single. Justin Timberlake ist im Duett mit Madonna zu hören. Man braucht ein bisschen Zeit um den Titel zu mögen. Von Melodie und Arrangement ist es eher Durchschnitt. Doch es ist ein kommerzieller Dance-Track, der sofort die Spitzenpositionen der Charts eroberte. Die Mischung von Timberlake und Madonna ist eben ein Erfolgsgarant. Besonders auffällig nur die Aussage des Songs, dass wir eben nur noch vier Minuten Zeit hätten, die Welt zu retten. (tick-tack, tick-tack) “Give It To Me” wird die zweite Single-Auskopplung des Albums. Der Song kommt etwas ruhiger daher und bleibt leider hinter den Erwartungen zurück. Langweiliger Sound und Tralala. Ganz anders „Heartbeat“. Das geht schon mehr ins Blut und lädt zum Tanzen ein, dazu sind die Gesangsparts sehr stimmig und angenehm. „Miles Away“ wird wohl die dritte Single des Albums. Eine schöne Nummer bei der man jedoch sofort merkt, dass es Madonna ist. Zu sehr zeigt sich der Stil Madonnas wie ein roter Faden. Als Höhepunkt des Albums gedacht erscheint mir der Song jedoch nicht stark genug. Titel Nummer sechs „She`s Not Me“ ist schlichtweg langweilig. Zu häufig wiederholen sich Melodie und Passagen des Songs. Da haben wir wirklich schon besseres gehört. Ermüdend auch die Länge des Songs: müssen es denn über sechs Minuten sein? Ebenso lang ist „Incredible“ doch hat man hier mehr Spaß. Erneut ein ungewöhnliches Tempo gepaart mit der reinen Stimme Madonnas. Doch zu einem Dancefloor-Knaller wird auch das nicht reichen. „Beat Goes On“ ist sehr funky gestaltet und ist wirklich abewechslungsreich, auch durch den Duett-Partner Kanye West gewinnt der Song deutlich an Format. Bei „Dance 2night“ verrät schon der Titel um was es sich handeln soll. Ein Dance-Song, der dennoch nicht das Maß von „Music“ oder „Hung Up“ erreicht. „Spanish Lesson“ hingegen ist sehr einfallsreich und hat viel Chaca-Chaca. Hier jedoch stört der permanente Tempi-Wechsel und lässt den Song dabei etwas überladen wirken. „Devil Wouldn’t Recognize You“ sollte wohl die obligatorische Ballade des Albums werden. Doch hier passt der Rhythmus nicht wirklich zur Schönheit des Songs. Weniger wäre in diesem Falle mehr gewesen. Hörenswert ist er allemal. Den Abschluss bildet „Voices“, der mich schon eher anspricht. Ein nettes Liedchen, dass man zur Entspannung durchaus hören kann.
Das Gesamtbild des Albums würde ich nicht unbedingt zur Spitze von Madonnas Schaffen zählen. Sie klingt frisch und modern, aber es reißt mich nicht wirklich vom Hocker. Vielleicht muss ich es noch öfter hören um irgendwann volles Gefallen daran zu finden.

Meine All-Time-Hits von Madonna sind „Material Girl“, Like A Prayer“, „Frozen“, „Ray Of Light“ und „Music“. Meiner DJ-Playlist füge ich von dem neuen Album die drei Singles, sowie „Candy Shop“, „Heartbeat“ und „Beat Goes On“ bei.

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Als am 1. Dezember 1982 das neue Album von Michael Jackson das Licht der Welt erblickte war noch nicht klar, welchen Einfluss es auf die moderne Pop-Geschichte nehmen würde.
Der „Rhythm & Blues“ Jacksons der vergangenen Jahre wurde über Bord geworfen. Was sich mit dem Album „Off The Wall“ bereits ankündigte wurde mit „Thriller“ konsequent fortgesetzt. Es klang moderner, einfallsreicher und war eher auf Popmusik aufgebaut. Die erste Single-Veröffentlichung „The Girl Is Mine“ war allerdings eine erste Enttäuschung. Der Umstand, dass Paul McCartney als Duett-Partner bereitstand rettete den Song nicht wirklich. Aber der Rest des Albums strotzte vor Kraft und Innovation: „Wanna Be Startin’ Somethin’“, „Beat It“, „Thriller“ und nicht zuletzt „Billie Jean“ wurden zu Klassikern, die heute, 25 Jahre später, noch immer jeder kennt. Das Album verkaufte sich bis heute über 60 Millionen mal und wurde somit das meistverkaufteste Album aller Zeiten. Einen großen Anteil des Erfolges hatten die aufwendig produzierten Video-Clips. Zu Beginn der 80er Jahre kam es zu einem Boom dieser Streifen, die zuvor nur „Promos“ (Promotion-Films) genannt wurden. Es entwickelte sich eine regelrechte „Video-Industrie“, die die moderne Popmusik erweiterte und attraktiver gestaltete. Plötzlich sah man seine Lieblingsstars in aufwendig produzierten Filmchen von Klippen springen, vor Videowänden Auto fahrend oder sogar als animierten Lippenstift. (The Cars / You Might Think) Dieses wollte Michael Jackson nutzen, insbesondere für Thriller hatte er die zündende Idee eine regelrechte Horror-Show zu inszenieren. Dafür gewann er den renommierten Film-Regisseur John Landis, der zuvor mit Streifen wie „Kentucky Fried Movie“ und „Blues Brothers“ für aufsehen sorgte. Jackson kannte jedoch nur Landis’ Film „American Werewolf“ und war begeistert von der Sequenz in der sich der Hauptdarsteller David Naughton in einen Werwolf verwandelt. Eine für damalige Verhältnisse ungewöhnlich interessante, ausgefeilte Darstellung, die mit viel Technik einher ging. 16 Minuten dauert schließlich der Clip von „Thriller“. 16 Minuten Verwandlung, tanzende Zombies und Performance pur. Was als Tonträger mit dem Lachen von Vincent Price bereits eindrucksvoll war, verschmolz mit dem Video-Clip zu einem wahren Feuerwerk.
Das Album „Thriller“ scheint also als Proto-Typ für ein modernes, erfolgreiches Album geeignet.
Im Februar 2008 erschien nun eine Neuauflage von „Thriller“ mit gutgemeinten Neuproduktionen der alten Hits. Wieder wurde „The Girl Is Mine“ als erstes veröffentlicht und enttäuschte erneut. Mit dem Rapper will.i.am bemühte sich Jackson vergeblich die Schwäche des Songs zu verdecken. Echte Perlen hingegen sind die Neu-Versionen von „Wanna Be Startin’ Somethin’“ zusammen mit Akon und das mit Fergie eingespielte „Beat It“. Das starke „Billie Jean“ kam in der Version mit Kanye West allerdings nicht über ein Mittelmaß heraus.
Wir müssen uns klar machen, dass Jacksons erfolgreiche Zeiten vorbei zu sein scheinen. Ihm sind im Laufe der Zeit nicht nur seine Nase, sondern auch seine musikalischen Ideen abhanden gekommen. Er scheint den Anschluss an die moderne, angesagte Popmusik verloren zu haben. Es ist auch nicht verwunderlich, schließlich wird er am 29. August diesen Jahres tatsächliche 50 Jahre alt. Das gleiche Schicksal ereilt Madonna 13 Tage vorher, doch sie hat sich Innovation und Ideenreichtum erhalten.
Früher machte Jackson Schlagzeilen mit seiner Musik und der atemberaubenden Bühnenshows. Ich muss gestehen: Das Konzert in Köln 1997, bei dem ich dabei war, ist mir ein unvergessliches Ereignis geblieben. Insbesondere der Auftritt mit „Billie Jean“ riss mich vom Sitz und ließ mich schreien wie ein ausgeflippter, frühpubertierender Teenie.
Wenn man jedoch heute Schlagzeilen von Jackson liest dreht es sich nur noch um finanzielle Probleme, Vorwürfe des Kindesmissbrauchs, verschwundene oder verschobene Körperteile und aus dem Fenster gehaltene Babies. Sichere Anzeichen dafür, dass der Stern des Michael Jackson sinkt. Der „King Of Pop“ befindet sich in der Dämmerung. Trotz allem lässt sich nicht verleugnen, dass er einer der größten Entertainer der modernen Popmusik ist und bleibt.

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Der Titel des neuen Albums „Stark wie zwei“ von Udo Lindenberg scheint Programm zu sein. Neben altbewährtem erscheint der gute Udo auch in neuem Licht…und er hat Erfolg damit: zum ersten mal die Spitzenposition der deutschen Album-Charts für den alten Herrn mit Hut, der sich schon so lange im Musikgeschäft tummelt.. Am 16. Mai wird er 62 Jahre alt und scheint dennoch bis heute nicht erwachsen geworden zu sein. Als er 1969 als Schlagzeuger bei Inga Rumpf anfing war noch nicht abzusehen, dass er zu einer deutschen Rocklegende aufsteigen sollte. Seit er 1973 seinen Durchbruch mit „Alles klar auf der Andrea Doria“ hatte ist er aus der Musiklandschaft nicht mehr wegzudenken. Es hagelte Preise und der Aufstieg zum Aushängeschild deutscher, intelligenter Rockmusik. Intelligent wegen der Texte (die auch politischer Natur sein konnten) und der Art der Arrangements seiner Songs.
Sein neues Album strotzt vor Kraft und bringt auch neues. Als erstes fällt der zuerst als Single veröffentlichte Song „Wenn du durchhängst“ auf. Er nagt sich ins Ohr und ließ mir beim ersten Hören die Tränchen kullern. Die Ähnlichkeit zu seinem größten Hit „Horizont“ aus dem Jahre 1987 ist zwar auffällig, aber warum darf ein großer Künstler sich nicht selbst kopieren und eine Idee konsequent weiterentwickeln? „Wenn du durchhängst“ führt „Horizont“ fort und lässt uns seinen Optimismus, der in dem 87er Song etwas fehlte, beeindruckend spüren.
Auf dem neuen Album macht er außerdem etwas, auf das man im realen Leben lange warten kann: Er zieht seinen Hut. In dem Song „Ich zieh’ meinen Hut“ besingt er mit wunderschönen Worten eine Person, die in seinem Leben immer für ihn da war. Mitreißend und ehrlich, man hat fast das Gefühl ein Stück Autobiografie zu hören, sticht der Song ins Herz und wirkt nach. Neben weiteren Balladen hört man auch ungewöhnliches: Ein Duett mit Helge Schneider. Hier verarbeitet Udo musikalisch ein Spiel, dass er und Helge immer treiben, wenn Schneider Lindenberg im Hotel Atlantic besucht. Sie spielen Detektive in den Fluren des großen Hotels. In Jazz-Klängen erfahren wir von „Chubby Checker“, der seine Schnüffelnase und die seines Drogenhundes Rex überall hineinsteckt. Leider muss ich sagen, dass der Song ohne Helge Schneider wesentlich besser wäre.
Ganz anders der Song „Der Deal“, den Lindenberg zusammen mit der Band Silbermond einspielte. Eine kernige Rock-Nummer, ganz im Stil der derzeitigen deutschen Rockexplosion, die vorrangig mit Sängerinnen bestritten wird und die Männer in den Hintergrund rücken lassen. Hier wirkt Udo so frisch wie nie. Im Duett zeigt er, dass die Stimme eines 62jährigen Rockers mit der feinen Stimme der 24jährigen Silbermond-Frontfrau Stefanie Kloß harmonieren kann. Es ist ein Genuss sich das anzuhören.
Der Track „Stark wie zwei“ ist eine süßlich-saure Ballade über den Umgang mit dem Tod. Der verblichene Mensch macht den Überlebenden stark wie zwei. So holt Lindenberg das positive aus dem Abschied heraus, der in seiner Endlichkeit mit Orchester-ähnlicher Stimmung in dem Song zum Ausdruck kommt.
Wieder „Ganz anders“ ist die Zusammenarbei mit Jan Delay: Rockig und abwechslungsreich. Eine wirklich gute Nummer. Auch hier kann man es vorher nicht glauben wie diese doch unterschiedlichen Künstler in einem Song zusammenpassen könnten. Hervorragend produziert und imposant. Jan Delay näselt zwar wie immer aber es ist ein großer Spass dazwischen das Lindenberg’sche „dedededem“ zu entdecken. Ob der Song Hitcharakter hat vermag ich nicht zu sagen. Es käme auf einen Versuch an ihn als Single zu veröffentlichen.
Um es abschließend zu sagen: Ein Kauf ist das Album auf jeden Fall wert, denn „der Greis ist heiß“ und man hat wieder eine coole Scheibe vom guten Udo im CD-Regal stehen. Erwähnen sollte ich noch, dass auch der Jazz-Trompeter Till Brönner und Annette Humpe (Ich + Ich) mit von der Partie sind.

Meine ewigen Hits von Udo Lindenberg bleiben „Moskau“, „Reeperbahn“ und „Ich lieb’ dich überhaupt nicht mehr“. Meiner DJ-Playlist füge ich „Ganz anders“, „Wenn du durchhängst“ und „Der Deal“ vom neuen Album bei.

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