Detroit 1959. Ein junger Mann namens Berry Gordy Jr. gründete mit einem Startkapital von nur 800 US$ die Plattenfirma Tamla Records, die später unter dem Namen Motown Musikgeschichte schreiben sollte. Der Höhenflug dieses Labels fand in den 60er- und 70er Jahre statt. Es hagelte Nummer-1-Hits am Laufenden Band und die unter Vertrag stehenden Künstler wurden Weltstars. Kaum ein Label hat die moderne „Pop“-Musik so sehr beeinflusst wie Motown. Zur Legende geworden gibt es dieses Label bis heute, auch wenn sich die Besitzverhältnisse im Laufe der Jahre immer wieder verändert hat.

Hier nun ein kurzer Einblick in die Künstler und deren Songs, die uns noch immer in den Ohren klingen:

Smokey Robinson / Tears Of A Clown

1970 gelang Robinson mit diesem Song seine bisher letzte Spitzenposition in den amerikanischen Charts. Zuvor war er zu einem der einflussreichsten Soul-Künstler geworden. Vom Vorgänger-Label von Motown (Tamla Records) war er eine gewisse Zeit Vorsitzender und trug zum dem Erfolg der Plattenfirma eine Menge bei.

Marvin Gaye / I Heard It Through The Grapewine

Er wäre dieses Jahr 70 Jahre alt geworden, wenn er nicht 1984 von seinem eigenen Vater erschossen worden wäre. „I Heard It Through The Grapewine“ wurde bei Motown von vier verschiedenen Interpreten aufgenommen. Keine Version gefiel dem Motown-Gründer Berry Gordy Jr.. Die Zuerst veröffentlichte Version von Gladys Knight & The Pips erreichte immerhin Platz 2 der amerikanischen Charts. Erst ein Jahr später brachte man Marvin Gaye’s Version heraus. Diese wurde schließlich zum Klassiker. Heute verbindet diesen Titel niemand mehr mit Gladys Knight. Im Laufe der Jahrzehnte gab es immer wieder Coverversionen dieses Songs, unter anderem von den Temptations, Flying Pickets, Creedence Clearwater Revival und 2005 von den Kaiser Chiefs.

Diana Ross & The Supremes / Baby Love

Einen Titel der Supremes herauszupicken ist mehr als schwer, hatten sie doch unzählige Hits als „Supremes“ oder „Diana Ross & The Supremes“ und auch solo blieb Diana Ross bis heute ein Weltstar. Die Liste ihrer bekannten Songs ist lang: „Where Did Our Love Go“, „Baby Love“, „Stop! In The Name Of Love”, “You Can’t Hurry Love” und “You Keep Me Hangin’ On” sind nur die Beispiele aus den 60er Jahren.

The Temptations / Papa Was A Rolling Stone

Noch heute kann man diesen Titel in den Discos der ganzen Welt hören. Ein All-Time-Klassiker. Der Begriff „Rollin’ Stone“ lässt sich wohl als „Herumtreiber“ ins Deutsche übersetzen. Ursprünglich als Single der Band „The Undisputed Truth“ 1972 herausgebracht wurde der Titel kein Erfolg. Im selben Jahr nochmals von den Temptations überarbeitet wurde der Song schließlich zum Hit.

Stevie Wonder / You Are The Sunshine Of My Life

Ab 1961 stand Wonder bei Motown unter Vertrag und wurde der Star unter den Superstars. Sein Name wird mit Motown verbunden. Seine Karriere dauert bereits fast fünf Jahrzehnte an und 2008 war er zuletzt wieder auf Tournee. Publikum und Kritiker waren begeistert.

The Four Tops / Reach Out I’ll Be There

Nur drei Jahre war diese Band bei Motown doch mit diesem Titel schufen sie ein wahres Denkmal von einem Song. Selbst aus Detroit (der damalige Firmensitz von Motown) begannen sie ihre Karriere erst bei einer anderen Plattenfirma, doch der Erfolg blieb aus. Erst 1964 wurden sie bei Motown unter Vertrag genommen und bereits mit der ersten Single „I Need Your Loving“ stellte sich der Erfolg ein. Nach „Reach Out I’ll Be There“ trennten sich 1967 wieder die Wege von Band und Plattenfirma.

Edwin Starr / War

„War!! What is it good for? Absolutely nothing!” Diese Textzeile wurde zu einem Slogan der Friedensbewegung. Geschrieben 1969 als Protest gegen den Vietnam-Krieg wurde der Song erst von den Temptations aufgenommen. Aus Rücksicht vor der „konservativen“ Fangemeinde der Temptations suchte man einen anderen Interpreten. Edwin Starr war es dann, der Stimmgewaltig diesen Titel zum Erfolg führte.

The Jackson Five / I Want You Back

Ein kleiner Junge mit dem schlichten Namen “Michael” machte diese Band bestehend aus fünf Brüdern zu Stars. Gerade elf Jahre alt sang Michael Jackson 1969 „I Want You Back“ und berührte damit Millionen von Menschen. Ganze 13 Alben brachten die Jackson Five bei Motown heraus und gehörten zu den Weltstars der Motown-Künstern. Was aus dem kleinen Michael später geworden ist dürfte bekannt sein. Auch solo konnte er mit Motown Hits landen, wie auch sein Bruder Jermaine.

The Commodores / Three Times A Lady

Lionel Ritchie brachte als Sänger, Saxophonist und Komponist die Commodores (die zuvor nur als Vorband der Jackson Five auf Tournee ging) zum Erfolg und erreichte schließlich als Solo-Künstler die Weihen eines Weltstars. Neben dem bekannten Hit „Easy“ gehört „Three Times A Lady“ zu den Motown-Klassikern.

Boyz II Men / End Of The Road

In Deutschland war diese Band eher eine Eintagsfliege, doch in den USA sind sie regelrechte Rekordhalter. Inzwischen verkauften sie über 60 Millionen Tonträger und drei ihrer Singles gelten als die als am längsten an der Spitzenposition stehenden Songs der amerikanische Hot Billboard Charts. Dazu gehört auch das 1992 erschienene „End Of The Road“. Mit 13 Wochen Nummer 1 toppten sie damit Elvis Presley’s „Don’t Be Cruel“ und „Hound Dog“ um zwei Wochen.

Shanice / I Love Your Smile

Inzwischen auch als Schauspielerin unterwegs schaffte sie mit ihrem größten Hit „I Love Your Smile“ 1991 eine Grammy Nominierung.

Akon / Right Now (Na Na Na)

Er gehört zu den aktuellen Stars des Labels. Mit dem 2008 veröffentlichten Song „Right Now“ konnte er in allen wichtigen Charts einen Hit landen. Seine markante Stimme und dem klaren Gesang verschaffte ihm unter anderem die Chance mit Eminem und Michael Jackson zusammenzuarbeiten.

Um es ehrlich zu sagen: Die große Motown-Zeit ist längst vorbei. Vom Aufstieg in den 60er- und den großen Erfolgen der 70er Jahren lebt der „Mythos Motown“ bis heute.

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Stell dir vor: du bist in einer Disco, aus den Boxen dröhnt Dance- und Clubmusic, auf der Tanzfläche herumspringende Gäste, die auf die neuesten Hits abtanzen. Dann ist es Mitternacht und der DJ legt den Song “Pata Pata” auf… und der Saal tobt vor Freude. Ich habe das oft erlebt, habe selbst diese Scheibe aufgelegt. Der Song stammt aus dem Jahre 1967 und ist zu einer Hymne geworden. Die Interpretin jedoch kennt von der jungen Generation fast keiner mehr. Ihr Name: Miriam Makeba, 1932 in Südafrika geboren und eine der berühmtesten Afrikanerinnen überhaupt. “Weltmusik” nannte man ihren Stil, und trotz der für uns exotischen Klänge feierte sie in der ganzen Welt Erfolge. Makeba ist ein Beispiel dafür, dass ein einziger Song eine Weltkarriere über Jahrzehnte halten kann. Doch sie sang nicht nur. Sie engagierte sich auch politisch. In ihrem von Apartheit und Rassentrennung gebeutelten Heimatland war sie eine der wichtigsten Vorkämpferin für die Gleichbehandlung aller Menschen, jenseits von Hautfarbe oder Religion. Sie redete vor der UNO, sie setzte sich für Menschenrechte ein und verband dies alles mit ihrer Musik. In der langen Zeit ihrer Karriere brachte sie über 20 reguläre Alben heraus und arbeitete zusammen mit Größen wie Harry Belafonte, James Brown, B.B. King und drehte mehrere Filme, unter anderem mit Whoopi Goldberg.
Am 9. November 2008 erlitt sie während eines Konzerts in Italien einen Herzinfarkt und starb einen Tag später im Alter von 76 Jahren. Wir werden uns immer an sie erinnern: Zenzile Makeba Qgwashu Nguvama Yiketheli Nxgowa Bantana Balomzi Xa Ufun Ubajabulisa Ubaphekeli Mbiza Yotshwala Sithi Xa Saku Qgiba Ukutja Sithathe Izitsha Sizi Khabe Singama Lawu Singama Qgwashu Singama Nqamla Nqgithi… oder einfach: Miriam Makeba

Hier ein Filmmitschnitt von ihrem größten Hit: Miriam Makeba / Pata Pata

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Im Jahr 2009 wird sie ihren 70. Geburtstag feiern. Für viele ein Alter, in dem sie sich nicht mehr große Abenteuer vornehmen. Doch Anna Mae Bullock, besser bekannt als Tina Turner startet 2008, kurz vor ihrem 69. Geburtstag noch einmal richtig durch. Ihre neue Single „It Would Be A Crime“ ist erstaunlich frisch…und sie scheint es auch zu sein. Eine Welttournee steht an. Im Oktober diesen Jahres startet sie ihre Tournee in Nordamerika. In Kansas City war ihr Konzert innerhalb von zwei Minuten ausverkauft und in Deutschland erhöhte man die Zahl ihrer Konzerte von sieben auf siebzehn. Mit diesem Erfolg war nicht zu rechnen und sie selbst wurde davon überrascht. Seit unglaublichen 40 Jahren ist sie im Musikgeschäft und seit 1960 brachte sie regelmäßig Produktionen auf den Markt. Mit ihren damaligen und inzwischen verstorbenen Mann Ike Turner gelang ihr eine beeindruckende Karriere. Privat hatte sie jedoch viel auszuhalten. Schläge und Vergewaltigungen musste Tina Turner durch ihren Mann ertragen und erst Anfang der 70er Jahre konnte sie sich von ihm befreien. Es dauerte jedoch sehr lange bis sich Solo ihr Erfolg einstellte. Der Knoten platzte 1984 mit der Veröffentlichung des Albums „Private Dancer“ und der Single „What’s Love Got To Do With It“. Im Verlaufe der folgenden Jahre wurde sie zur Queen der poppigen Soul-Musik, in die sie auch Rock-Elemente einfließen ließ. Ein weiterer Höhepunkt war auch 1995 der Titelsong des James Bond Films „Goldeneye“. Bis heute hat sie sich in der Öffentlichkeit gehalten und geriet nie in Vergessenheit. Ihr Erfolg heute zeigt, wie anerkannt und populär sie heute noch als Sängerin ist.
Ihr Markenzeichen ist ihre raue und kräftige Stimme. Dazu kommt ihre Erscheinung. Sie war nie schön, aber ungemein sexy. Auch heute noch kann sie ganz ungeniert Miniröcke tragen und Männer verfallen ihrem Reiz. Sie ist ein Ausnahmetalent und eine Ausnahme-Erscheinung.
Ich selbst sah ein Konzert von ihr. Es dürfte zwar ca. 20 Jahre her sein, aber ich habe noch starke Erinnerungen daran. Sie befand sich auf dem Höhepunkt ihrer Karriere und zog das Publikum in ihren Bann wie keine andere.
Tina, you’re simply the best.

Hier ein kurzes Promo-Video zu ihrer neuen Tour mit Rückblenden aus ihrer langjährigen Karriere. Es wird außer acht gelassen, dass die Gute inzwischen etwas fülliger geworden ist…

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“Do you remember chalk hearts melting on a playground wall”
Mit dieser Zeile begann der 1985 veröffentlichte Song “Kayleigh” von der britischen Rockband Marillion. Textlich anspruchsvoll, musikalisch unabhängig und einfallsreich. Als Neo-Progressive-Rock wird ihre Musik eingeordnet, auch wenn sich zuerst niemand etwas genaues darunter vorstellen kann. Als Genesis-Abklatsch zu Beginn der Karriere verspottet entwickelten sie sich Mitte der 80er Jahre zu einer einflussreichen Band, die besonders durch die charismatische Stimme des Sängers Fish getragen und gefördert wurde. Das Album “Misplaced Childhood” mit den Singles “Kayleigh” und “Lavender” wurde zum internationalen Durchbruch. Die breite Masse jedoch kennt bis heute nur diese beiden Songs. Weitere Veröffentlichungen wurden eher in der beschaulichen aber treuen Fangemeinde zu Hits. Eine Ausnahme bildet noch “Incommunicado”. Diese Single erreichte 1987 Platz 6 in den britischen Charts. 1988 war der Traum bereits vorbei. Die Band spaltete sich und ließ erst 1991 mit dem neuen Sänger Steve Hogarth wieder von sich hören. Kommerziell erfolgreich wurden sie jedoch nicht mehr obwohl das musikalische Material weiterhin von hoher Qualität geprägt war.
Um nicht ganz von der Bildfläche zu verschwinden hatte Marillion immer wieder geniale Einfälle. Um unabhängig von Plattenfirmen zu sein baten sie für die Alben “Anoraknophobia” und “Marbles” ihre Fans die Produktion der Alben zu finanzieren. Aus aller Welt trafen “Spenden” ein um eine Produktion überhaupt erst möglich zu machen. Ein Monster-Hit wie “Kayleigh” folgte daraus nicht mehr, aber man schaffte es immerhin unter die Top Ten und bestätigte die Fans etwas gutes getan zu haben.
Nun schlägt Marillion mit einer weiteren neuen Idee zu: Fans dürfen den Video-Clip zu dem Song “Whatever Is Wrong With You” drehen. Es wurde ein Wettbewerb aus der Taufe gehoben. Die Clips sollen bei YouTube online gestellt werden und wer die meisten Besucher hat gewinnt 5000 britische Pfund (ca. €6300,-). Etliche Videos sind bereits veröffentlicht. Ein Beispiel darf hier natürlich nicht fehlen. Ein guter Freund von mir, den ich nach Jahren in second life wiedergetroffen habe, hat im Spiel ein Video gedreht mit dem er sich am Wettbewerb beteiligt. Eine gute und neue Idee, wie ich finde. Mit eindrucksvollen Bildern und einem Blick fürs Detail setzte er das Thema des Songs um.

Hier nun Marillion / Whatever Is Wrong With You. Das Musikvideo wurde produziert von Web March.

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Vor ca. 20 Jahren habe ich begonnen als DJ zu arbeiten. Wie überall fing ich klein an und steigerte mich langsam. Angefangen auf Jugendparties und Geburtstagen habe ich es bis zum Event-DJ gebracht, habe 10 Jahre in einer Rock-Disco aufgelegt, habe verschiedene Veranstaltungen und Musikgenres in mein Repertoire aufgenommen und bin nun bei einem Webradio gelandet. Ein normaler Werdegang.
Doch die neuen technischen Möglichkeiten haben mir eine neue, kleine Karriere beschert.
Das virtuelle, zweite Leben, „second life“ genannt, ermöglicht plötzlich Dinge, die im normalen Leben kaum zu erreichen wären.
Beginnen wir mal mit der Erklärung was „second life“ überhaupt ist. Man könnte es in die Kategorie „Online-Spiel“ einordnen, doch würden die meisten User von „second life“ (SL) es nicht als Online-Spiel bezeichnen. SL hat kein Ziel, wie es jedes Spiel haben sollte. Es geht nicht um das erreichen einer Punktezahl für irgendetwas, auch nicht um Geld zu machen oder ähnliches. SL ist eigentlich nur genau das, was es heißt: das zweite Leben. Zu Beginn gestaltet man sich eine Figur, (ein Mann, eine Frau) und steigt ein in die virtuelle Welt, in der es fast alles gibt was auch das reale Leben (RL) zu bieten hat: Häuser, Städte, Autos, Galerien, Kinos, Geschäfte, Vergnügungsparks und vor allem: viele Clubs. Man kann mit den Leuten, die einem in SL begegnen nicht nur chatten, durch Headset ist es sogar möglich ganz normal mit ihnen zu sprechen…und das weltweit. Größte User-Gruppe in SL sind U.S. Amerikaner, dann kommen bereits die deutschen, schließlich die anderen Europäer, Kanadier, Australier und nun drängen auch die Asiaten in die neue Welt. Es entstehen Freundschaften, soziale Bindungen in einem Ausmaß, das ein normaler Chatraum nicht bieten kann. Warum erzähle ich das alles? Es soll um Musik gehen, um die Clubs in SL in denen ich als DJ auflege.
In diesen Clubs kann man tanzen und über einen Stream dem DJ zuhören…weltweit. Dort tummle ich mich. Als Sasch Petrov habe ich vor ca. einem Jahr meine DJ Karriere begonnen und erlebe seitdem permanenten Zulauf. Es sind nicht nur deutsche Clubs in denen ich auflege. Amerikanische, kanadische, australische, italienische…selbst ein japanischer Club war bereits dabei. Da kommen manchmal schon 100 Leute zusammen und lauschen. Ich gründete eine „DJ Sasch Fan Group“, die einen beeindruckenden Zulauf an Mitgliedern hat. Ich moderiere wenn es sein muss zweisprachig und meine Parties sind meist gut besucht.

Besonders interessant ist der Austausch mit anderen DJ’s in SL…so gründete ich eine weitere Gruppe: „DJ WORLD“, darin versammeln sich inzwischen 80 DJ’s aus aller Welt, aus allen Sparten, und wir machen monatlich ein 12-Stunden-Event in einem Club mit 12 verschiedenen DJ’s. Diese „DJ Nights“ sind extrem erfolgreich und ungeheuer interessant. Plötzlich merkt man, dass Techno von einem amerikanischen DJ so ganz anders klingt als von einem deutschen Kollegen. Und wo gibt es das schon in RL, dass auf einer Party 12 verschiedene DJ’s aus aller Welt auflegen? So kann es passieren., dass eine DJ Night von einem deutschen Trance-DJ eröffnet wird, gefolgt von DJ Dio aus Brasillien mit Club- und Dancemusic, anschließend die amerikanische Metal-Queen Natasha, gefolgt von DJ FastForward aus Australien mit Hardcore…

Es ist ein Erlebnis für jeden der Musik mag. Selbst die Musikrichtungen, die einem nicht so liegen hört man sich an, weil der DJ angenehm moderiert, Witze macht und man es nicht alle Tage erlebt einen stöhnenden Italiener ins Mikro hauchend zu hören. Da gibt es DJ Pit aus den USA, der bellt wie ein Hund, oder DJ Dex, der sich die Lunge aus der Kehle schreit, oder der Star-DJ InsyX aus New York, mit einer tiefen Stimme gesegnet, der neueste Scheiben und Mixe auflegt über die man nur staunen kann. Schließlich gibt es da noch DJ Sasch, hochgelobt (ich gebe es ungern zu), der witzig und auch bissig alle Register zieht.
Wann würde ich in RL beispielsweise die Möglichkeit bekommen in einem kanadischen Schwulenclub aufzulegen? Wahrscheinlich nie. Die Beschreibung der Parties dort klingt lustig, schrill, unglaublich…und das ist es auch:
Es ist Montag auf Dienstag Nacht, 1.00 Uhr unserer Zeit. DJ Sasch macht sich bereit für sein Set im „Ironworks“. Der Club ist riesig. Leute treffen bereits zehn Minuten vor Party-Beginn ein. Man hört sie durcheinander reden bis der Anfangsjingle der Party ertönt: „Hot Ride at Ironworks…with DJ Sasch“ und es folgen schräge Beats und BummBumm. Die Leute beginnen zu tanzen…sind gespannt auf den süßen, deutschen Boy…wollen deutsche Techno-Musik hören, flippen aus auf Rammstein, machen sich über den Akzent des DJ’s lustig und versuchen selbst ihre Deutsch-Kenntnisse loszuwerden. Das „Ironworks“ ist kein Club für zarte Seelen. Das Publikum ist schwul, es sind Bären (stämmig und behaart) und oft nackt. Derbe Witze werden gemacht…und der kanadische Clubbesitzer ruft dem DJ zu: „wollen du mir blasen einen?“, ohne zu wissen, was er gerade gesagt hat…denn er kann kein deutsch.

Die Leute sind freundlich, ganz interessiert was der „exotische, deutsche DJ“ wieder für sie spielt. Sie tanzen, rufen laut „Yippie“ oder „HooooHoooooHoooooHoooo“ und haben eine tolle Zeit. Nach drei Stunden ist die Spendenbox des DJ’s voll (es gibt eine virtuelle Geldwährung in SL, einen regelrechten Wirtschaftskreislauf) und die Party geht zu ende. Alle rufen „Thanks, sweet DJ, see you next week, I had a great time, it was an amazing set”, und DJ Sasch packt sein Köfferchen ein, freut sich wieder ein paar Fans mehr in seiner Gruppe zu haben und geht nach Hause.
DJ Sasch legt oft auf, nicht nur im Ironworks, und ist froh ein schönes Hobby zu haben, das ihm viel Aufmerksamkeit, aber vor allem viel Spaß einbringt.
Eine kleine, internationale DJ-Karriere…ein Traum ist wahr geworden.

Wer sie einmal gehört hat wird sie nie wieder vergessen. Ihre Stimme nagt sich in die Ohren und lässt einen bleibenden Eindruck zurück. Ein gesangliches Ausnahme-Talent in der internationalen Pop-Musik feiert am 30. Juli 50. Geburtstag.
Bereits mit ihrer ersten Single „Wuthering Hights“ schaffte sie ihren größten Erfolg. In den USA zwar unbeachtet erlangte sie mit dem Debüt dennoch einen Welthit. Der erste Eindruck war: „Warum quietscht die so?“, aber je öfter man den Song hörte umso mehr wusste man ihn zu schätzen. Es war etwas neues. Mehrere Oktaven umfasst ihre Stimme und ihr eindringlicher Sopran trägt ihre Songs mit einer Leichtigkeit, die man Ende der 70er oft vermissen musste. Anspruchsvoll sind ihre Songs und hoben sich deshalb von der üblichen Disco-Szene der 70er und dem poppigen New Wave der 80er ab.
Ihre Texte waren ebenso anspruchsvoll wie die Melodien und die Umsetzung. „Wuthering Hights“ (Sturmhöhe) beispielsweise ist der Titel eines Romans von Emily Bronte. Dieser britische Roman von 1847 inspirierte Kate Bush zu einer musikalischen Liebeserklärung an diese literarisch wertvolle Erzählung.
Zu Beginn der 80er Jahre schaffte Bush mit „Babooshka“ einen ähnlichen Erfolg…doch der bekannteste Titel bleibt wohl „Running Up That Hill“ aus dem Jahre 1985.
Eine überraschend gelungene Leistung ist auch das 1986 veröffentlichte Duett mit Peter Gabriel. „Dont’t Give Up“ erzählt die Geschichte von Arbeitslosigkeit, beschreibt die Verzweiflung und Hoffnung derer, die auf der Suche nach Arbeit sind um ihr Überleben zu sichern. In dem Video-Clip zu dem Song sieht man nur Gabriel und Bush umarmt dastehend, während die Kamera um sie herumfährt. Eine beeindruckende Darstellung des Songs mit einfachsten aber aussagekräftigen Mitteln.
Mein Lieblingstitel von Kate Bush ist jedoch ihre Version von Elton John’s „Rocket Man“, der auf dem John/Taupin Tribute-Album „Two Rooms“ von 1991 zu finden ist. Aus einem dahinplätschernden Liedchen machte Bush eine beeindruckende Hommage an Elton John’s und Bernie Taupin’s Song.
Kate Bush machte bislang nur eine einzige Tournee (1979) und passt auch sonst nicht in das übliche Popstar-Klischee. Vielleicht ist sie deshalb unvergessen, obwohl ihre letzten Alben kaum Beachtung fanden.

In meiner persönlichen DJ-Playlist ist „Running Up That Hill“ einer der Knaller auf meinen 80er-Jahre-Parties.

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Es war die 53. Veranstaltung des Eurovision Song Contest (Grand Prix Eurovision de la Chanson) und endete mal wieder mit einem Debakel für Deutschland. 43 Länder schickten einen Beitrag. Nach den beiden Halbfinals blieben 25 übrig, darunter auch die No Angels, die sich nicht dem Halbfinale stellen mussten (da haben sie aber Glück gehabt). Der Auftritt der “Engel” in Belgrad war glücklos und peinlich. Für den schlechten Soundcheck konnten sie nichts aber ihr Gesang war teilweise nicht stimmig und es machte wirklich keinen Spaß das zu hören. Die Performance war ebenso schlicht und unspektakulär. Zugegeben, man braucht keine Waschfrauen und eine singende Vogelscheuche wie Bosnien-Herzegowina, aber einfach und trotzdem ansprechend sollte es schon sein. Der glückliche, russische Gewinner Dima Bilan hat es richtig gemacht. Seine Gesten waren zwar theatralisch und aufgesetzt, aber der Eiskunstläufer, der kleine Kreise um ihn zog war sehenswert und nicht übertrieben. Gesanglich war er perfekt und er hat das Publikum international angesprochen. Über die Qualität des Songs lässt sich natürlich streiten. In meinen Augen den stärksten Beitrag lieferte Griechenland an:Kalomira legte einen perfekten Auftritt hin, an den nur Armenien und die Ukraine noch heranreichte. Ingesamt bot der diesjährige Wettbewerb alles was man von ihm erwartete: ernstes und skurriles, Qualtität und grottenschlechtes. Die Mischung war perfekt. Der Wandel der Veranstaltung ist inzwischen wohl vollzogen. Beiträge voll scheuer Anmut sind seltener geworden. Finnland hat erneut Heavy Metal geboten, die Türken überraschten mit einer gelungenen Rocknummer und Neuling Aserbaidschan brachte ein beeindruckendes Debüt, dass musikalisch und visuell zu überzeugen wusste. Besonders hervorheben möchte ich noch den israelischen Beitrag, der unglaublich schön und beeindruckend war. Deutschland hingegen dürften wohl die Einfälle ausgegangen sein. Überraschten die Deutschen in den letzten Jahren noch mit Ulk oder Qualität (Soul von Mutzke, Swing von Cicero oder Country von Texas Lightning) haben wir dieses Jahr wahrlich einen der schlechtesten Beiträge ins Rennen geschickt. Was als Radio-Song noch durchzugehen scheint war für diesen Song Contest jedoch ungeeignet. Über die schlechte Darbietung möchte ich lieber nichts mehr sagen. Zusammen mit Polen und Großbritannien haben wir uns die Schlappe abgeholt. Es reicht eben nicht eine ehemals erfolgreiche Casting-Girlie-Group ins Rennen zu schicken. Es gehört mehr dazu.

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Die Pop-Duos 2raumwohnung und Ich + Ich sind sehr bekannt und für viele relative Newcomer. Wenn man sich aber deren Besetzung anschaut stellt man erstaunt fest: Die Humpe-Schwestern sind wieder da. Denn Inga und Annette Humpe sind alles andere als Newcomer im deutschen Musikgeschäft.

Annette Humpe, geboren 1950, kennt man insbesondere von einer der ersten Bands der Neuen Deutsch Welle: Ideal. Deren Hit „Blaue Augen“ ist bis heute einer der bekanntesten der NDW. „Deine blauen Augen machen mich so sentimental“ war damals eine oft gesungene Liedzeile, die in ihrer Einfachheit bis heute nichts an ihrer Faszination verloren hat. Dazu kommt der einschneidende Gesang von Anette Humpe, der kraftvoll bis heute nachwirkt. Weitere Hits waren „Monotonie“, „Berlin“ und natürlich „Eiszeit“, die von Humpe als Frontfrau hauptsächlich getragen wurde. Ideal löste sich bereits 1983 auf.

Inga Humpe, geboren 1956, ist auch schon lange keine Unbekannte mehr. Zur selben Zeit wie ihre sechs Jahre ältere Schwester sang sie einen der berühmtesten Hits der NDW. Als Mitglied der Band DÖF (Deutsch-Österreichisches Feingefühl), der auch Annette Humpe angehörte, sang sie im Song „Codo“ den berühmten Refrain „und ich düse, düse, düse im Sauseschritt, und bring’ die Liebe mit von meinem Himmelsritt“. Mit dieser Ulk-Nummer schafften sie es immerhin fünf Wochen die Spitzenposition der deutschen Charts zu halten. Mehr als eine Million Scheiben wurden von diesem Song verkauft, der noch immer auf Parties für gute Laune sorgt.

1985 schlossen sich die beiden Schwestern zu einem gemeinsamen Duo-Projekt zusammen. Unter dem Namen Humpe & Humpe veröffentlichten sie bis 1987 zwei Alben. Die größten Hit daraus waren “No Longer Friends” und „Careless Love“.
Danach war es relativ lange still um die Humpes.

Im Jahre 2000 gründete Inga Humpe, zusammen mit Tommi Eckart, das Duo 2raumwohnung. Ihre bisher fünf Alben verkauften sich in Deutschland recht gut, nur die Single-Auskopplungen blieben weitestgehend unbeachtet. Erst 2007 hatten sie mit „36 Grad“ einen mittleren Hit, der einen hohen Bekanntheitsgrad erreichte. Grund für den größeren Erfolg dieses Songs war wohl, dass er recht modern klang und in die Zeit der neuen starken Frauen im deutschen Musikgeschäft passte. In der Tat strahlt der Song eine Frische aus, die man insbesondere Inga Humpe nach dieser langen Karriere nicht mehr unbedingt zugetraut hatte.

2004 gründete sich das momentan angesagteste deutsche Pop-Duo Ich + Ich. Annette Humpe und Adel Tawil verstehen es mit wunderbaren und interessanten Texten, sowie angenehmen, eingängigen und faszinierenden Melodien großartige Songs abzuliefern. Besonders großen Anteil an dem Erfolg hat die ausdrucksstarke Stimme von Adel Tawil, während sich die 28 Jahre ältere Annette Humpe gesanglich eher im Hintergrund hält. Ihre beiden Alben „Ich + Ich“ und „Vom selben Stern“ waren große Erfolge in Deutschland. Den Durchbruch brachte 2005 die Single „Du erinnerst mich an Liebe“. Eine grandiose Ballade. 2007 und 2008 schafften sie sogar drei Top 3 Hits hintereinander. „Vom selben Stern“, „Stark“ und „So soll es bleiben“.

Die Humpe-Schwestern reihen sich mühelos in die heutige Musik ein und können noch immer ihren jüngeren Kollegen das Wasser reichen. Alle hier genannten Hits befinden sich in meiner DJ-Playlist.

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Für viele ist es nicht nur interessant zu erfahren wer bei dem neuen „Bond“ das Bond-Girl spielt, oder wer als Fiesling am Ende des Films den Tod findet, sondern: „Wer macht den Titelsong?“. In der Tat sind in den fast fünf Jahrzehnten des „Bond“ etliche Hits entstanden, die zum Teil qualitativ enorm ansprechend waren und zu großen Hits wurden.
Um die wichtige Eingangsfrage gleich zu beantworten: Es sollte zuerst Amy Winehouse sein. Das nette Mädel, das gerne vollstoned in Unterwäsche durch London irrt, sollte den Titelsong des neuen „Bond“ (Quantum Of Solace) komponieren und singen. Natürlich wären wir gespannt gewesen was dabei herauskommen wäre. Ich hätte eine Wette abgeschlossen: Es wäre wieder der gewohnte Bond’sche Bombast-Sound gewesen gepaart mit einer kreischenden Bassey-Imtitation in der Winehouse-Methode. Doch aufgrund ihrer Skandale und gesundheitlichen Probleme hatte sich das schnell erledigt. Anschließend war Leona Lewis im Gespräch. Doch auch bei ihr würde ich die gleiche Wette abschließen. Inzwischen ist es amtlich: singen werden Jack White und Alicia Keys. Bei dem Namen Jack White zuckt man erstmal zusammen. Ist das nicht dieser Produzent der von Audrey Landers über David Hasselhoof bis Tony Marshall alles produzierte was peinlich ist? Keine Angst, es ist ein anderer Jack White. Als Sänger und Gitarrist der amerikanischen Rockband The White Stripes ist er durch den Song “Seven Nation Army” groß herausgekommen. Alicia Keys hingegen gehört zu einer ganz anderen Liga. Als Soul und R&B Sängerin ist sie sehr erfolgreich. “Another Way To Die” wird der Bond-Titelsong heißen. Wir sind gespannt.

Doch schauen wir einmal zurück…
Es begann 1962 mit „James Bond jagt Dr. No“. Titelsongs als Vermarktungshilfe für einen Film waren zu dieser Zeit noch nicht üblich. Die Promotion lief anders ab, aus heutiger Sicht fast mittelalterlich. Das konnte dennoch nicht verhindern, dass die musikalischen Elemente eines Films im Gedächtnis des Publikums hängen blieben. Einige berühmte Beispiele aus der Zeit davor waren sicherlich „Spiel mir das Lied vom Tod“, „Dr. Schiwago“ oder auch der nervenzerreißende Sound aus der Dusch-Szene von Hitchcocks „Psycho“. So kam es schließlich auch bei „James Bond“. Das James-Bond-Thema des ersten Films wurde zum Markenzeichen der Filmreihe, bis heute, und bei dessen Hören weiß jedes Kind um was es sich handelt. Also dachten sich die Macher des „Bond“ beim zweiten Film „Liebesgrüße aus Moskau“ , dass ein gesungener Titelsong ausprobiert werden könnte. Zugegeben: nur noch eingefleischte Bond-Fans kennen „From Russia With Love“ von Matt Monroe (wer zur Hölle ist das?). Doch was beim zweiten Film floppte donnerte 1964 umso mehr. Shirley Bassey sang den Bond-All-Time-Klassiker schlechthin: “Goldfinger”. Plötzlich war „Bond“ in den Top-Ten der britischen und amerikanischen Charts vertreten. Es war auch die Geburtsstunde des typischen Bond-Sounds, der in den folgenden Jahrzehnten teilweise bis zum Erbrechen immer wieder benutzt wurde um den dramatischen Schwung des Films in die Musik zu kopieren. Unzählige Hits folgten: Tom Jones “Thunderball”, Nancy Sinatra “You Only Live Twice” und Shirley Bassey “Diamonds Are Forever” aus den ersten Jahren.
1973 kam schließlich ein ähnlicher Knaller wie „Goldfinger“. Es war eine Sensation als bekannt wurde, dass der Ex-Beatle Paul McCartney mit seiner Band „The Wings“ für den Bond-Song verpflichtet wurde. Heraus kam eine regelrechte Explosion eines Songs, der noch heute viele Anhänger hat. „Live And Let Die“ gilt für viele (auch für mich) zum Besten, was in der Filmgeschichte als Titelsong produziert wurde. Andere Musiker zollen diesem Song immer wieder Respekt. Für Woodstock-Veteran Richie Havens ist es „der Song des Jahrhunderts“ und eine der einflussreichsten Rockbands der 80er und 90er Jahre, Guns n’ Roses, coverte den Song und machte ihn wieder zum Hit. Das Original von Paule wurde übrigens mit einer Oscar-Nominierung belohnt.
Die Jahre nach „Live And Let Die“ boten musikalisch eher Schonkost bis 1981 Sheena Easton einen erneuten Knaller in die Charts katapultierte. „For You Eyes Only“, ebenso für den Oscar nominiert, gilt für viele als bester Bond-Titel, was wohl an der gelungenen Mischung vom ruhigen Instrumentalteil des Anfangs, hin zu Steigerung im Mittelteil, gepaart mit der reinen Stimme Eastons zu einem perfekten Gesamtbild verschmilzend liegt. Ein Traum von einem Song, der aber auch wieder die typischen Stil-Elemente von „Bond“ in sich hatte.
Von diesem Erfolg beflügelt versuchte man diese Richtung beim folgenden „Bond“ zu wiederholen. Rita Coolidge schmetterte ihr „All Time High“ in das Mikrofon, doch das Ergebnis konnte sich mit “For Your Eyes Only” nicht messen.
1985 versuchte man etwas neues: Warum sollte man nicht eine angesagte New-Wave-Band engagieren? Es geschah mit Duran Duran. Ich gebe zu: Ich konnte es damals nicht glauben als ich davon hörte. Verkehrte Welt? Das Bond-Girl gespielt von Mannweib Grace Jones und der Titelsong sollte von Poppern mit Fönwelle kommen? Das sollte die Abschiedsvorstellung von Roger Moore werden? Doch es kam tatsächlich so. Zu den Klängen von „A View To A Kill“ fasste Moore im Wasserbottich sitzend der Jones von hinten an die prallen Bälle mit den Worten „Ich habe mich noch nicht vorgestellt. Mein Name ist Bond. James Bond“. Doch die Kritiker des neuen Bond-Songs sollten bald verstummen, denn Duran Duran schaffte das, was davor und danach niemand mehr schaffte: Nr. 1 der amerikanischen Charts. Es war ein würdiger Song. Durch den Erfolg berauscht war wieder eine Wiederholung geplant: A-ha sollten es beim nächsten Bond-Streifen richten: „The Living Daylights“ hieß das Liedchen, das keinen nennenswerten Eindruck hinterließ. Im Gegenteil. Von A-ha fertig produziert und dem Bond-Team übergeben wurstelte ein Produzent noch daran herum um den typischen Bond-Sound mit Bläsern hinzuzufügen. Morten, Pal und Mags haben es gehasst…und der Rest der Welt auch (außer Heimatland Norwegen: tatsächlich Nummer 1 in der Hitliste).
Die folgenden Songs sind schnell umrissen: Shirley Bassey war wohl zu alt, also nahm man Gladys Knight („Licence To Kill“) und Tina Turner („GoldenEye“) um die alten Zeiten von „Goldfinger“ nochmals aufleben zu lassen. Auch Sheryl Crow mit „Tomorrow Never Dies“ und Garbage mit “The World Is Not Enough” waren eher für den gemütlichen Kino-Sessel geeignet als für einen Knaller im Radio.
Die Geister schieden sich mal wieder bei Madonna. „Die Another Day“ war tatsächlich etwas vollkommen neues in der musikalischen Geschichte des „Bond“. Die Einen verdammten den Song als schlechtesten Bond-Titel aller Zeiten, die Anderen fanden ihn genial. Auch neu war es, dass er tanzbar war und in den Clubs lief. So neuartig der Song war, zeigte sich auch der Film selbst von der modernsten Seite. Vergleicht man Song und Film „Die Another Day“ mit der Gähnvortstellung „Liebesgrüße aus Moskau“ liegen Welten dazwischen. Vielleicht war der Abschied von Pierce Brosnan ein Ruf in eine neue Bond-Ära, die mit Daniel Graig beginnen sollte. Der neue „Bond“ ist blond? Das Titellied ein Rocksong? In der Tat machte Chris Cornell einen rockigen “Bond”. „You Know My Name“ war qualitativ wieder ein Sahnestückchen, fiel beim breiten Publikum jedoch durch. Die Charts nahmen ihn so gut wie nicht wahr.
Was kommt nun? White und Keys als neues Erfolgsduo?

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Am 22. April diesen Jahres war es soweit: ich würde auf mein erstes Schandmaul Konzert gehen. Schon einige Zeit war ich Fan dieser genialen Band. Schandmaul? What? Schandmaul ist eine Band, die mit Drehleier, Dudelsack, Schalmeien, Geige, Flöte, Gitarre, Bass, Schlagzeug und vielem mehr Rockmusik an den Mann bringt. Mit deutschen Texten rund um Mythen, Märchen, Sagen und tollen Geschichten bieten sie ihren Fans Spaß, Spannung, Spiel und die Schokoladenseite eines Konzertabends; denn das Konzert war, Entschuldigung, obergeil!
Wir fuhren, etwas geschafft nach dem Arbeitstag, am 22. also Richtung Neu Isenburg in die Hugenottenhalle. Ganz possierliches Ding, diese Hugenottenhalle. Soviel war, als wir ankamen, noch nicht los. Aber es sollte noch voller werden. Wir standen also nicht lange an und mischten uns unter die anderen Fans. Um ca. 20:00 Uhr begann die Vorband Krieger, die sehr lauten Gitarrenrock spielten. Zuerst erinnerten Krieger uns an Metallica und dann an mehrere andere Bands. Vom Sänger verstand man nur jedes zehnte Wort – alles in allem hat es mir nicht gefallen. War nicht meine Art von Musik. Abgerockt haben sie aber trotzdem.
Nach ungefähr 45 Minuten war es dann auch schon vorbei, die Umbaupause begann und Schandmaul betrat die Bühne, nach einem von Hans Paetsch aus der Hörspielreihe Gabriel Burns gesprochenem Intro. Sofort legten sie mit dem Song Wolfsmensch aus dem neuen Album Anderswelt los um sofort darauf den absoluten Live-Klassiker Herren der Winde zu spielen. Es ging gut los und nach der Frage des Sängers Thomas, ob uns denn warm sei, bemerkte ich immer und immer wieder, dass in dieser Halle die Hölle los brach. Es war absolut sau warm. Ein Mädel vor uns verabschiedete sich leider etwas frühzeitig in Richtung Sanitäter, da sie es wohl mit dem Kreislauf zu schaffen bekam. Trotz Hitze hatten wir in der Mitte des Saales nach hinten einiges an Platz, was uns aber ganz gut gefiel.
Schandmaul spielten mit Zugabe insgesamt 24 Songs, was ca. an die zwei Stunden und fünfzehn Minuten dauerte. Sehr sympatisch war auch die Tatsache, dass einige Instrumente ob der Bullenhitze teil- und zeitweise ihren Geist aufgaben. Direkt nach der ersten Nummer verabschiedeten sich Stefans Hi Hat Halterung am Schlagzeug, einmal funktionierte die Gitarre von Thomas nicht, die Gitarre von Ducky gab dann auch pünktlich zu einem Gitarrensolo auf, um später, wegen der hochgedrehten Lautstärke, voller Inbrunst loszulegen. Zu guter Letzt vergaß Thomas einmal den Text – doch das Publikum kam ihm zur Hilfe und weiter ging es.
Und das Bühnenoutfit der Mädels und Jungs!! Grandios. Anna trieb meinem Cousin und mir vor Begeisterung mit ihrem Kleid regelrecht das ganze Konzert über den Schweiß auf die Stirn.
Sound in der Halle stieß auf unterschiedliche Meinungen – doch unserer vierköpfigen Crew gefiel er sehr gut. Nicht zu laut oder zu leise, sehr gut ausgesteuert, prima für diese Halle eben.
Bühne war sehr nett aufgebaut. Fotos folgen evtl. bald.
Fazit des Ganzen: ich gehe wieder hin. Absolut grandios. Durch dieses Genre der Musik, durch die Natürlichkeit der Band und durch den Spaß, den man den Fans, der Band und der Crew ansieht hat man immer das Gefühl, an etwas familiärem teilzuhaben. Schandmaul rockt – auf Platte und live. Wer sie nicht kennt, soll sie kennen lernen. Anspieltipps? Aber gern: Walpurgisnacht, Herren der Winde, Bin unterwegs, Frei, Leb! und vieles mehr. Zur Übersicht gibt es noch die Setlist des Abends. In diesem Sinne: FOLK YOU!

Setlist Schandmaul 22. April 2008 Hugenottenhalle Neu Isenburg
1. Wolfsmensch
2. Herren der Winde
3. Leb!
4. Lichtblick
5. Zweite Seele
6. Die Tür in mir
7. Missgeschick
8. Anderswelt
9. Geisterschiff
10. Mitgift
11. Feuertanz
12. Talisman
13. Das Tuch
14. Großes Wasser
15. Fiddlefolkpunk
16. Krieger
17. Frei
18. Walpurgisnacht
19. Letzter Tanz

20. Das Mädchen und der Tod
21. Die Braut
22. Dein Anblick

23. Denk an mich
24. Prinzessin

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